【影视锐评】

作者：曹凌霄（中国文艺评论〔浙江大学〕基地主任助理）

科技发展使影视表演从运作流程到表现形式都发生了变革。比如，虚拟拍摄技术使制作团队在拍摄前可以实时预演重要片段，帮助演员了解导演想要的视觉效果，提前规划走位、表情、动作幅度等细节。AI技术则帮助角色与特殊形象面部融合，实现“角色减龄”“数字复活”“AI换脸”等视觉效果。电影《流浪地球2》让中老年演员面部呈现出青年时的状态。剧集《异人之下》则让数字人与真人演员互动表演。

技术如此强大，是否意味着可以取代真人表演？答案是否定的。辅助表演的技术仍处于起步阶段，尚难以还原演员的表情、动作、情感。微表情和肢体动作不仅是对面部肌肉和身体的精准控制，更是传递人类情感的重要媒介。它们通常发生在极短时间内，是演员融入角色精神世界后，情感的自然流露。演员每一个眼神的闪烁、嘴角不经意的抽搐都能成为讲述故事、传达复杂情感的关键线索。而AI驱动的表演主要依赖于对海量视频素材的模式化学习，虽然这一定程度上赋予了虚拟影像获得人类情感化表征的可能，但在处理细微变化时远达不到真人的自然度和精确度。在影视作品中常表现为眼神涣散、面部表情单一、肢体动作僵硬，更不用说再现人物的情感张力。这类问题在手机、电脑屏幕上不明显，在大银幕上非常突兀，影响观众的观影体验。

技术更无法再现多样的表演风格。叙事节奏决定故事情节的展开方式与发展速度，而演员可以结合自身表演风格调整台词节奏、动作幅度和情感表达的力度，影响叙事节奏的变化。叙事节奏与表演风格没有固定组合，演员可根据实际情况即兴发挥，这就造成不同演员在演绎同一角色时，会因个人风格和理解角度差异与作品发生不同的化学反应。而AI技术在模拟表演时，容易陷入机械化、模式化的套路。

技术无法替代演员表演，除了技术问题尚未解决，还有观众心理上的因素需面对。心理学有个概念叫“恐怖谷效应”。心理学家认为，当现实和预期不匹配，人类会本能地把眼前的事物同熟悉的事物做比较，帮助自己理解事物。技术驱动的表演与真人在外表、动作上相似，观众会在潜意识中将其作为“人”来对待，从而建立情感联系；而相似程度达到特定程度时，人类的反应会突然变得极其反感，哪怕这种表演与真人只有一点点差别，都会显得非常刺眼。这一理论解释了为何观众能轻松接纳一些怪物角色和夸张表演，却对追求逼真感的形象和表演更挑剔。再者，部分观众对影视作品的情感共鸣和认同感，是基于对演员的喜爱。技术驱动的表演缺乏这种与观众的情感连接，难以引发强烈共鸣。

技术只是承载表演内容的形式而非影视表演本体。我们与其纠结技术会不会取代表演，不如努力探索技术如何更好地辅助表演创作。首先，应确立创作者之于影视表演的主体地位。表演不能缺少对人性的深刻洞察，应鼓励创作者保持原创性和艺术性，确保他们的创作主导权。技术只能作为创作者的延伸，辅助完成特效制作、场景渲染等工作。其次，应结合故事情境需要，准确把握观众的真实情感需求。对同真实人类世界存在一定距离的影视角色，不必一味追求与人类高度相似，而是可以通过强化其“非人”特征，采取“动漫化”处理方式，巧妙避开“恐怖谷效应”的发生。而旨在精准还原真实人类动作与情感体验的AI角色，在跨越“恐怖谷效应”的道路上会面临更艰巨的挑战，不仅要求技术在表演和后期上实现突破，还需要创作者凭借艺术敏感性和生活积累，将技术转化为能触达人心的艺术表达。再次，应持续探索技术在表演领域的发展空间。技术带来的影像生产力的提升进一步延展了表演的发展空间，将传统意义上演员与摄影机之间的互动延伸至动捕演员、特效剪辑师、动画师、建模师等工种的合作。影视创作应将表演视为影视工业的一个重要环节，建立更科学的流程，让技术更好地助力表演。

目前，技术解决的主要是影视创作的“下限”问题，如很多致力于科幻赛道的制作人借助AI技术，能在预算有限的情况下让想象落地。但影视表演关乎人的情感和审美，是“上限”问题，它触及人类表达的核心——情感的微妙波动、对自身的认知与反思以及终极价值追求，是技术难以理解和模仿的。这并不意味着我们要排斥所有形式的技术辅助，相反，通过理清技术逻辑，挖掘技术潜能，创作者可以进一步释放人的创造力，使技术转化为影视表演艺术的一种新要素。

《光明日报》（2025年03月12日 15版）